Азам Атаханов
Часто говорят, что случайностей не бывает: случайности - закономерности Бога.
Только этим и можно объяснить совершенно независимое включение в экспозицию Международного художественного салона «ЦДХ – 2009» от Союза художников Таджикистана произведений традиционного искусства современных художников – ковров, сюзане и набоек и от Ассоциации искусствоведов – произведений Азама Атаханова – доцента кафедры академической живописи в Московском государственном художественно-промышленном университете им. С.Г.Строганова, ставшего художником в Республиканском художественном училище в Душанбе.
Первая из упомянутых экспозиций демонстрирует корни или фундамент живописной структуры, из которой выросла европейская по своей живописной сущности пространственно-цветовая или цвето-пространственная система письма Атаханова. Эта система складывалась в процессе его обучения путём наложения на сложившуюся в детстве систему видения мира, людей, их жилищ и взаимоотношений. И Мастер как в копилку складывал всё новое, что давала ему восходящая к эпохе итальянского Возрождения школа живописи, обогащённая титанами пластических искусств за практически 5 столетий, при этом, не отказываясь от своего мироощущения и мировидения.
Азам использовал при создании своих полотен приёмы пуантельного построения фактуры произведений, используя рядом наносимые мазки не для создания цвета путем его оптического смешения в глазу зрителя, как это делал Сёра, а для поддержания тона полотна и его рельефа, как это видится на сюзане, набойках и коврах его детства и юности. Всё это происходит у художника естественно и органично, как органично для его творчества, восходящее к Франциску Ассизскому название его проекта «Мир и добро» - pax e bonum на знаменитых фресках Джотто, посвященных святому Франциску.
Мир и добро, покой и любовь дарят нам работы Азама Атаханова целостные и точные по смыслу и строю, изысканные по создаваемой в них гармонии цветовых отношений,
непривычных для другого опыта, но убедительных в своей естественности и красоте.
О творчестве Ольги Гречиной
Картины Ольги Гречиной - яркая смесь любования с разочарованием, коктейль трудно разъяснимых вопросов. Желание чистоты тут присутствует вместе с дионисийскими соблазнами потребительской цивилизации. Все это, как говорится, из нашей жизни".
А. Морозов
После окончания средней художественной школы при Московском Государственном художественном институте им. В.И.Сурикова, а в 1972 году отделения графики этого института Ольга Гречина работала в «Агитплакате», занимаясь в течение многих лет печатной графикой - литографией, офортом, гравюрой, шелкографией. Художник создавала серии работ на современные и исторические темы, отличавшиеся сложными композиционными построениями, применением принципа монтажа, совмещения в листе нескольких сюжетных ходов. Эти работы получили высокую оценку, как в периодике, так и у профессиональной и зрительской общественности.
В конце 1970-х годов Ольга Гречина начала серьёзные опыты в живописи, стремясь «перевести» умозрительные построения графических листов на язык темпераментной живописной пластики. Мастер обращается к портретному изображению своих коллег-художников, подчёркивая в них склонность к размышлению, серьёзность по отношению к своей профессии. В этих работах нет свойственной многим сюжетным картинам этого времени вялости, невыразительности, смазанности мыслей и чувств. Живописный стиль её работ становится естественной составляющей направления, получившего название «фотореализм». Динамичность, сложность сопоставлений фигур и предметов, сдвиг планов, отличают композиционные построения многих её картин. Дерзкая необычность её живописных решений рождает цепь ассоциаций, как бы приглашающих к разгадке смыслов изображённого.
В последние годы Гречина, признанный мэтр фотореализма, отказывается от «многословного» пластического высказывания и обращается к миру простых вещей.
Но их преувеличенные размеры, форсированный цвет отсылают зрителя к первозданным и естественным гуманистическим ценностям.
Ольга Гречина, начиная с 1972 года, по настоящее время участник многочисленных молодёжных, городских, групповых, региональных, всероссийских и всесоюзных выставок в стране и за рубежом. С успехом прошли около десятка её персональных показов. Работы мастера хранятся в крупнейших собраниях русского искусства в России и за рубежом, таких как, государственная Третьяковская галерея и Русский музей, музеях современного искусства США, ФРГ, Японии, Франции и др.
Творческая деятельность О.Н. Гречиной является значительным явлением современной художественной жизни, наполнена высокими нравственными устремлениями и отличается высокими профессиональными достоинствами.
Она награждена по представлению АИС нагрудным знаком Министерства культуры и массовых коммуникаций «За высокие достижения».
Елена ЕЛЕЦКАЯ ЕЛЕЦКАЯ Елена Алексеевна родилась в 1940 году в семье деда – известного художника Александра Васильевича Шевченко. Окончив общеобразовательную школу, поступила с художественную школу и закончила её через два года. В это время стала работать в издательствах, иллюстрируя научные издания (многотомник Сеченова и др.).
В 1963 году поступила в Московский Полиграфический институт. В 1969 году участвовала в своей первой выставке «Выставка Работников Радио и Телевидения» (в это время она работала на Центральном Телевидении). Продолжая работать в издательствах, стала серьёзно заниматься живописью. Вступила в Молодежную секцию МОСХ.
В 1975 году участвовола в «Молодежной выставке» - «Портрет дочери», «Натюрморт с зеркалом».
В 1976 году вступила в МОСХ. Участвовала во многих весенних, осенних и др.выставках. Главные из них «Автопортрет художника» в ГТГ и «ХХVI съезд» в Манеже.
В 1976 году поступила в Комбинат живописного искусства и проработала там 18 лет, написав 45 картин.
В 1991-1996 гг. участвовала во многих выставочных проектах АИС (выставки в ЦДХ. ЦДРИ, на Гоголевском 10 и дрю).
Персональных выставок в Москве было пять и одна в 1990 году во Франции. Последняя выставка прошла в ЦДРИ в марте 2003 года под названием «Весенняя палитра».
Произведения Е.А.Елецкой находятся музеях Иваново, Ярославля, Харькова, Новосибирска, Нукуса, в частных собраниях Москвы, 50 картин во Франции (Париж), в Израиле, Италии, США (Новый Орлеан), Болгарии, Югославии, Германии, Англии, Чехии, Словакии, Новой Зеландии.
Включена в «Энциклопедию живописи от Древнего Египта до наших дней» в разделе «Лексикон художника» (печатается в Германии).
Награждена государственным нагрудным знаком «За достижения в культуре».
Б.Л.Шумяцкий, 2004
Елена КОЛАТ
Родилась в Москве в 1940г. С 1978 года член Московского союза художников. Окончила Московский институт стали. С середины 1960-х гг. работает в мастерских Московского Театра кукол Сергея Образцова, где становится одним из ведущих мастеров создания мимирующей куклы. До сего дня ее куклы играют в Театре «На Таганке» в спектакле «Владимир Высоцкий». В 1970-е годы под руководством Юлии Николаевны Рейтлингер мастер овладевает профессией иконописца. Создаваемые ею иконы расходятся по российским храмам, частным собраниям, а в 1999 году художник отважилась расписать храм- церковь Св. Серафима Саровского в Кунцеве в Москве.
С конца 1980-х годов главным делом художника становится живопись. Участвует в городских, республиканских и всесоюзных выставках. Персональные выставки: 19 г. Муниципальный выставочный зал «Ковчег», 19 г. , Центральный выставочный зал г. Подольска, 19 г. Выставочный центр «Преодоление», 19 г. Выставочный зал Московского союза художников, 2003 г. Центральный дом художника, Москва. Зарубежные персональные выставки мастера проводились в 2001 году в Уэльсе, Великобритания и в 2002 в Париже.
Работы хранятся в Музее А.С. Пушкина в Москве, Томском государственном музее, частных и корпоративных собраниях России, Франции, Канады, Швейцарии, Израиле.
Награждена государственным нагрудным знаком «За достижения в культуре».
«Может показаться, что разнообразные увлечения Елены Колат слишком усложняли её путь к главному – к обретению себя. Но это не так. Её – личность органичную и цельную – всегда привлекали только созвучные ей художественные явления. И то, что в орбите её внимания оказались именно иконы, куклы, станковая живопись, определено логикой её внутреннего развития. Это помогло ей создать особую систему изображения, в которой сплавлены выразительные возможности этих искусств с собственными творческими позициями. Едва ли не самая важная роль в этой системе принадлежит кукольному театру, генетически близкому ей, понятному, любимому».
Шалобаева В.Н. «Елена Колат. Живопись. Графика». Альбом. М., 2000.
«Скрытым лиризмом, незримым внутренним присутствием автора пронизаны сценки «провинциального быта», написанные художницей за два последних года. Тут нет «аргументов и фактов», а есть почти сквозь слезы, как у Пастернака, любование этой простодушной суетой обыденности…
В бытовых работах художница дает не общий план. А вплотную приближает лица. Мы можем в них вглядеться, ощутить таинственную серьезность наивного и обыденного, включенного в зимний. Белый, яркий пейзаж. Тут нет какой-то нарочитой «компоновки плохого фотографа», а есть композиционная естественность – результат безошибочной интуиции.»
Чайковская В. «Смешные и лирические» - «Культура», 30.09.1999
Б.Л.Шумяцкий, 2004
Аббас КЯЗИМОВ
Аббас Кязимов родился в г.Баку в 1956 году. В закончил Бакинское художественное училище, в - Институт искусств в г. Баку. Член Союза художников Азербайджанской республики, член Международной федерации художников, Творческого союза художников России.
Некоторые выставки: 1978 - Государственная картинная галерея, Баку; 1980-86 - Молодежные выставки в СССР и за рубежом; 1988 - «Молодые советские живописцы», музей Денона, Франция; 1990 - Галерея «Инсельштрассе-13», Берлин, Германия; «Молодые художники и современность», Пекин, Шанхай, Китай; 1990, 1992, 1994, 1996 -Персональные выставки в Центральном доме художника при участии АИС; 1990 - Международная ярмарка галерей «Арт-Миф-1», Москва; 1992 - Выставка 12 художников, ЦДХ. Москва; 1994-1995 - Персональная выставка, Вашингтон. США; Персональная выставка, Болгарский культурный цент, Москва; 1997, 2000, 2002 Международные художественные салоны в ЦДХ; 1998 - Персональная выставка в Государственном институте искусствознания. Москва; 1999 - Персональная выставка во Франции, г.Канн; 2002 - Выставка азербайджанских художников, Галерея «На Солянке», Москва; 2003 - Международная художественная выставка «АРТС» в Сокольниках, Москва; 2003 «Посвящение Пиросмани», «Арт-Манеж», Москва.
Работы хранятся в: ГТГ. Государственном музее народов Востока, Калининградском художественном музее, Кутаисской картинной галерее, Новосибирском областном художественном музее, Музее искусств в Баку, собраниях союзов художников в Москве и Баку, а также в частных собраниях России, Закавказья, Европы и Америки.
Яркий представитель Апшеронской школы, Аббас Кязимов объединил в своем творчестве традиции древнего и современного искусства Закавказья. Язык его произведений, лаконичный и красочный, являет нам сказочных театрализованных персонажей, которые живет и действуют по законам современного человека. Это происходит потому, что вещи Кязимова органичны и целостны, т.е. живут самостоятельной жизнью.
В 2003 г. художник награжден Благодарностью Министра культуры РФ «За активное участие в художественной жизни России и большой личный вклад в упрочение международных творческих связей»
О творчестве Евгения Расторгуева
Мы познаём мир сопоставляя, соизмеряя и сравнивая явления и события, масштаб и меру, пытаясь через аналогии найти место классифицируемых сущностей, чтобы правильнее осмыслить и понять их.
С искусством Евгения Расторгуева у меня было не так. Ещё технарём в 60-е годы я увидел его "Юность" с её сюжетом-архетипом, восходящим к гомеровскому "прощанию Гектора с Андромахой", вот уже более трех тысячелетий будоражащего сердца людей, и строем пространства приподнимавшего меня- зрителя – над обыденным и повседневным. Картина необычно для того времени пленила меня искренностью и подлинностью чувства. Потому мне важно было извлечь её из запасника Третьяковской галереи, где она хранится скоро полвека, на первую большую ретроспекцию мастера в Центральном доме художника, как фундамент и исток всего его творчества. А незадолго до этого, на одной из групповых выставок я познакомился с миром персонажей созданного им пластического театра ( его "чудиков" ) и сразу полюбил их, как это обычно бывает, не зная, почему и за что. Я присутствовал и выступал практически на всех московских выставках Евгения Расторгуева последнего времени, постепенно осознавая творимый им мир и его место в отечественной и мировой культуре. Образы жителей Городца, не того Городца, где он родился и вырос, и куда Евгений Анатольевич ездит отдыхать-работать каждое лето, а вымышленного города - символа русскости, придуманного и выстроенного в небывалом расторгуевском пространстве, добром, естественном и живом, как живо пространство народных сказок и городского романса, где думают, говорят и чувствуют по-русски. Расторгуеву удалось на языке московской живописной школы второй половины ХХ века создать действующую модель значимой части России не убитой переворотом 1917 года, которая продолжает жить в культуре нашего отечества, и будет жить в ней и дальше как ячейка в сети мировой художественной традиции. Мы, россияне, видим, понимаем и любим нашу страну по-разному. Образы провинциалов- мастеровых Расторгуева, моделей наших сограждан, не могут быть приняты всеми россиянами, как не все, даже профессионалы, принимают отображённый на языке парижской школы мир хасидского местечка, вошедший во все значительные музеи мира и запечатленный в куполе Гранд-Опера в столице Франции.
Творчество Марка Шагала стало через какое-то генетическое знание для меня аналогией ( я не сопоставляю здесь ни масштаб, ни цены, ни калибры), которая помогла понять значение творчества Заслуженного деятеля искусств России, художника Евгения Расторгуева, оценить его самобытность, пронизывающую его работы доброту и важность этого явления для сегодняшней культуры России, явно идущей через придумки постмодернизма к своим каноническим истокам.
Борис Шумяцкий, 2009
Евгения ТАВЬЕВА
Анатолий МОРЕВ
С успехом прошла в июне 2003 года в ЦДХ выставка московских живописцев Е.Тавьевой и А.Морева, заинтересовавшая широкую публику и коллекционеров искусства.
Анатолий Морев родился в 1942 г. в Кисловодске. С 13 лет занимался в Изостудии живописца Т.М.Головко. После службы в армии поступил в Саратовское художественное училище. После его окончания вернулся в Кисловодск, где преподавал в Детской художественной школе и участвовал в художественных выставках Ставропольского края. С 1982 года художник проживает в Москве, участвует в городских и республиканских выставках, в 1986 году принят в Московский союз художников. Полотна Анатолия Морева отличает большое разнообразие сюжетных, композиционных и живописных ходов. Он пишет пейзажи, портреты, натюрморты, абстрактные композиции, отличающиеся глубиной тональных отношений, композиционным строем, фактурой. Мастер работает в Кисловодске, Средней Азии, Грузии, средней полосе России. А.Морев автор графических циклов и абстрактных скульптурных композиций.
Его произведения хранятся в ряде частных собраний в России и за рубежом, а также в Вологодской картинной галерее и музее в Ферапонтово.
Евгения Тавьева родилась в Москве в 1940 г. С детства рисовала, посещала Детскую изостудию в московском городском Доме пионеров, затем занималась в Краснопресненской художественной школе. С 1959 по 1965 годы училась на факультете прикладного искусства Текстильного института. Член Московского Союза художников с 1971г.
С 1975 года всецело посвятила себя живописи. Она работает на Академической даче в Горячем ключе, в Средней Азии, на Кавказе. Особым местом для творчества мастера стала Тверская земля, пейзажи которой заняли важное место в сюжетах ее полотен.
Евгения Тавьева автор пейзажей, портретов и натюрмортов. Она с 1970 года участник групповых, московских, всесоюзных выставок. Ее работы находятся а частных собраниях России и за рубежом, а также в ряде музеев страны (гг. Томска, Новокузнецка, Ферапонтово), а также в фондах Российского союза художников и Международной конфедерации союзов художников.
В феврале-марте 2004 года в Еврейском культурном центре на Никитской экспонируется в течение месяца выставка произведений Евгении Тавьевой.
Художники награждены государственным нагрудным знаком «За достижения в культуре».