Валерий Ватенин: «Пусть буду я»
(к 80-летию художника)
Всякий раз, обращаясь к Валерию Ватенину (1933-1977) – одному из лидеров группы «одиннадцати» - поражаюсь интенсивности, спрессованности жизни и творчества художника. То, на что у других художников уходили долгие годы и десятилетия, у него занимало лишь малый, как будто заранее отмеренный, отрезок времени. 44 года жизни, из которых чуть ли не 30 лет творчества, оставили нам наследие, по масштабности и глубине соизмеримое с наследием крупнейших мастеров русского и советского искусства.
На «Автопортрете в фас» (1962) - зрелый мужчина с натруженными руками рабочего-ремесленника и торсом грузчика или борца, коротенькая рубашонка (из гардероба юноши?) не сходится на мускулистой груди. На голове лысина, в углу губ мундштук с папиросой. О ремесле художника напоминают лишь кисти, расцветающие дивным цветком по занавеске, да портрет жены на заднем плане. В самой позе – нога на ногу со скрещенными на груди руками и прямым (не с вызовом ли, открытым на зрителя?) взглядом – уверенность хозяина, застолбившего свою территорию, и не оставляющего сомнений в том, что будет ее отстаивать от посягательств соперников.
Между тем, человеку на портрете всего 29 лет и он не борец и не грузчик, а художник Валерий Ватенин, очень рано повзрослевший (эвакуация, бомбежки, тяжелый физический труд в годы войны, послевоенное голодное детство) и очень рано осознавший свое предназначение. В 1944 году в письме из эвакуации он пишет маме: «Я сейчас занимаюсь рисованием, но природа здесь небогатая, краски и кисточки никуда не годятся, бумаги мало... я коплю открытки с картин великих художников, но их здесь нет. Если можешь, то пошли открыток, например, с картин Репина, Саврасова, Левитана, Веласкеса, Веронезе и т.д.». Вполне зрелые суждения и просьбы человека, которому едва исполнилось 11 лет. В 14 лет Ватенин поступает в Таврическое художественное училище (1947-1952), в 20 лет - в Академию художеств (1953-1959, Институт имени Репина).
«Автопортрет в фас» (1962) – этапное произведение Ватенина, завершающее период ученичества и становления художника, прошедшего через освоение Сезанна и «Бубнового валета» (что очень уверенно демонстрирует портрет). Этим произведением Ватенин уверенно заявляет себя одним из лидеров будущей группы «одиннадцати» (1972). Он выставляет портрет в Государственном Русском музее на Осенней выставке 1962 года. В том же 1962 году участвует в групповой выставке в Художественном салоне на Невском, 8, где «собираются» четверо из «одиннадцати» (З.Аршакуни, В.Ватенин, Г.Егошин, Я.Крестовский).
В семейной жизни тоже все отлично: любимая жена (первая жена Галина Мошкова) дана портретом в автопортрете, дочери Светлане уже два года... Все отлично... Но именно удовлетворения, успокоения в Автопортрете почему-то не чувствуется. Наверное, виной тому какой-то отстраненный, направленный в себя взгляд художника и застывшая в задумчивости папироса в углу губ. Фронтальная композиция, перекрестия ног и крепко сжатых рук (вся фигура художника – крепко «сжатый кулак») – скорее защита, вызов, чем расслабленное, благодушное почивание на лаврах. Художник в сомнениях, в поисках, он не намерен останавливаться на достигнутом.
Середина 1960-х годов, к которым относится «Натюрморт с цепью» (1965), – время поисков и освоения новых пластических форм. «Следом за Сезанном, - пишет Наталия Ватенина, - шли кубисты Жорж Брак и Пабло Пикассо... Кубизм давал наиболее важные уроки пластической цельности произведения. Художник учился этой отлаженной пригнанности предметов друг к другу в их зависимости от окружения. Фон как таковой перестает существовать и в портрете, и в натюрморте».
«Натюрморт с цепью» - своеобразный гимн страстному увлечению Ватенина мотоциклом, страсти, ставшей для художника роковой (в 1977 году он погиб в автомобильной аварии). Свой первый мотоцикл он купил в 1965 году (помимо заработка ремеслом пришлось подрабатывать грузчиком для достижения заветной цели). Гаража у него не было, поэтому мотоцикл с ревом и дымом взлетал по узкой лестнице на четвертый этаж дома на улице Петра Лаврова (ныне Фурштадтская). И первое, что сделал Ватенин после покупки – это до винтика разобрал мотоцикл. Именно этот момент он зафиксировал в «Натюрморте с цепью». Говоря «момент», скорее всего, можно понимать буквально: вряд ли художник специально готовился сделать портрет своего любимца, да еще в таком разобранном виде. Скорее всего, это был импульс. В пользу этого говорит явно видавший виды старый холст, прохудившийся в нескольких местах (дыры заклеены газетой, затем холст загрунтован), и оказавшийся под рукой. Тем не менее, в «Натюрморте с цепью» проявился весь Ватенин образца 1965 года. Эта крепко сделанная кубистическая композиция безупречна по суровой серо-зелено-фиолетовой тональности и пластической организации холста. Детали интерьера и мотоцикла: лампа, газета, бутылка политуры, колесо мотоцикла, карбюратор, шестеренка, цепь и др. мастерски сбалансированы и точно пригнаны друг к другу. Этот талант Ватенина очень точно подметила Наталья Ватенина: «Достигнута такая пластическая слаженность всех деталей, что нельзя ничего ни подвинуть, ни убрать».
Картина Валерия Ватенина «В саду» (1969) относится к вершине творчества художника. В конце 1960-х годов Ватенин создает произведения «Субботний вечер на Онеге» (1967, Русский музей), «Первое мая в Пскове» (1968, Омский музей), Автопортрет «Житие живописца Ватенина» (1968, 1973, ЦВЗ «Манеж») и др., которые позволяют говорить, что художник нашел свое собственное неповторимое лицо в искусстве. «Это время и было, - вспоминал позже Ватенин, - выяснением своего собственного языка, что же я хочу сказать и как это сделать. Вначале были подражания разным мастерам, я бы сказал, это продолжался процесс учебы, я тогда не знал, где подражание, а где нет. Потом мне кто-то сказал: вот на этой работе появился ты. Я сказал: «Ну ладно, пусть буду я»».
На картине «В саду» (1969) изображена дочь художника Светлана, помещенная как в лоно в густую, плотную, таинственную среду сказочного сада с диковинными растениями, насекомыми, цветами и фруктами-символами (как будто взятыми с натюрмортов Сезанна?). Сплошным покровом они заполняют всю площадь картины, выползая даже на расписную раму, одновременно закрывая друг друга и проступая то сквозь призрачные крылья бабочек и насекомых, то сквозь прозрачные растения и «листья травы». Порой ловишь себя на мысли, что сама фигура девочки тоже становится прозрачной, бестелесной. Такого эффекта прозрачности красочного слоя и наслоений одного изображения на другое позволила добиться техника яичной темперы, характерная для иконописи. Эту технику художник впервые применил в 1968 году в Автопортрете «Житие живописца Ватенина» и в дальнейшем использовал во всех живописных произведениях.
Картина «В саду» - глубоко психологическое произведение Ватенина. В нем нашли отражения и тревога отца за судьбу дорогого себе беззащитного человека, такого же хрупкого и ранимого как бабочка или мотылек перед лицом жесткого мира. И общечеловеческие духовные поиски мастера, и размышления на тему бренности человеческой жизни как таковой и единства ее с природой. Эту тему в дальнейшем художник продолжил в таких работах как «Дорога (мать солдата)» (1971), «Сон (Невеста)» (1972), «Бабье лето», (1974), «Эвакуация» (1975) и др.
Всякий раз, обращаясь к Валерию Ватенину... неизменно ощущаю притяжение этого яркого художника-шестидесятника, в своем творчестве вышедшего далеко за рамки своего времени. Его картины делаются с годами только крепче и значительнее (они – благодатное поле для искусствоведов на многие годы), а харизматичная личность автора занимает достойное место в ряду с такими брендами 60-х как Гагарин, Высоцкий, Окуджава.
(В тексте использованы цитаты из монографии Наталии Ватениной «Валерий Ватенин» , Спб, 2006)